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(source © Photographie de Jean Clottes)
À ce jour, les plus anciennes peintures que l'on ai découvertes se situent dans la Grotte Chauvet en France. D'après le plus grand nombre des historiens, ces peintures rupestres datent d'environ 32 000 ans. Il semblerait que ces peintures auraient été gravées et peintes avec de l'ocre rouge ainsi qu'un colorant noi. La plupart d'entre elles représentent des scènes de chasse avec des chevaux, des buffles, des lions, des rhinocéros et des hommes. On peut retrouver d'autres exemples de peinture rupestre partout dans le monde notamment en France mais aussi en Espagne, au Portugal, en Chine, en Australie, etc.
(source © Site officiel de la Grotte de Lascaux)
Il existe de très nombreuses hypothèses quant à la signification de ces peintures. Certains pensent que les hommes préhistoriques ont peint des animaux pour " emprisonner" leur âme (ou leur esprit) afin de pouvoir les chasser plus facilement. Pour d'autres, il s'agit d'une vision animiste et d'un hommage à la nature environnante. Il est également possible de considérer que ces peintures sont le résultat d'un besoin d'expression ou encore qu'elles sont un moyen de transmettre des informations.
Peu importe le point de vue, il est indiscutable que la préhistoire a connu l'apparition de la peinture, une forme d'art qui, par la suite, s'est diffusée au travers le monde entier.
(source © Jfbradu.free.fr)
En plus d'avoir une grande tradition en matière d'architecture et de sculpture, l'Égypte antique a également développé, d'une part dans les temples et les batiments l'art de la peinture murale, et d'autre part l'illustration des manuscrits en papyrus. En règle générale, les peintures (murales ou décoratives) réalisés sont graphiques et parfois même, bien plus symboliques que réalistes. Les contours très apparents (tout comme dans les bandes dessinées) sont caractéristiques de la peinture égyptienne. Il y a également les silhouettes plates, dans lesquels la symétrie est une caractéristique constante. La peinture égyptienne est étroitement liée aux hiéroglyphes (langage écrit de l'Égypte). Il existe également des peintures sur toile réalisées par les égyptiens dont quelques exemples ont pu être préservées jusqu'aujourd'hui.
(source © Wikipédia)
Au nord de l'Égypte, en Crète, la civilisation minoenne a également développée l'art de la peinture murale, comme dans le palais de Knossos. Bien qu'il y ait une ressemblance avec les peintures d'Égyptes, ces dernières ont un style beaucoup plus libre. Aux alentours de 1100 av. J-C., l'art grec et les tribus du nord de la Grèce ayant été conquise ont pris une nouvelle direction.
Il y a eu de grands peintres, sculpteurs et architectes durant Grèce antique. Un exemple d'architecture de cette époque porte le nom de Parthénon. Souvent décrite comme forme d'art classique, la sculpture grecque sur marbre la plus développée. Gràce à la peinture sur poterie et céramique grecque antique nous pouvons avoir un aperçu relativement instructif sur manière dont la société de la Grèce antique fonctionnait. Les styles de figures noires et figures rouges sont un bon exemple de ce qu'était la peinture grecque à l'antiquité.
(source © Wikipédia)
Les textes antiques évoquent quelques peintres grecs célèbres tels qu'Apelle ou Zeuxis. Ce sont des spécialistes de la peinture sur des panneaux de bois. On ne connait cette peinture qu'au travers des descriptions que l'on peut trouver dans les textes romains contemporains car, malheureusment, aucun exemple n'a survécu. Il semblerait que le premier à avoir utiliser le sfumato soit Zeuxis (Qui vécu aux Ve et VIe siècle av. J.-C.). Les peintures de Zeuxis était, d'après Pline l'Ancien d'un réalisme tel que les oiseaux auraient essayé de manger les raisins qu'il avait peints. En raison de sa parfaite maitrise de la technique du dessin et des couleurs brillantes, Apelle est, quant à lui décrit comme le plus grand peintre de l'Antiquité .
Influencé par la Grèce, on peut considérer que l'art romain a été, d'une certaine manière, le descendant de la peinture grecque antique. La peinture romaine a, toutefois, des caractéristiques qui lui sont uniques. Les seules peintures romaines ayant survécu au travers le temps se trouvent être des peintures murales. Elles se trouvaient, pour la plupart, dans des villas de Campania situées dans le sud de l'Italie.
Il est possible de rassembler la peinture romaine en quatre catégories en fonction du style mais aussi de la période à laquelle elle a été réalisée. Nous pouvons y retrouver les premiers exemplaires de trompe-l'œil, de pseudo-perspective et de paysage pur. Parmi les très rares peintures de portraits qui ont survécu, un grand nombre de portraits du Fayoum datant de l'Antiquité tardive ont pu être retrouvées . Gràce à ces peinture, nous pouvons avoir une idée de la finesse ainsi que de la qualité de la peinture antique.
(source © Cosmovisions.com)
Les styles de peinture ont été influencé par un changemenent d'état d'esprit mais également par l'avènement du christianisme. C'est au VIe siècle , sous l'influence de la peinture d'icônes grecque et russe orthodoxe, que l'accent à été mis sur l'icônographie traditionnelle. Il y a eu relativement peu de changements au cours des mille ans de l'empire byzantin. Contrairement aux mosaïques byzantines, une infime partie des nombreuses peintures murales et de fresques ayant existés ont survécu. En règle générale, l'art de Byzance reposait sur l'abstraction et la stylisation des figures et du paysage. Toutefois, il y a eu des périodes durant lesquelles l'art byzantin est devenu plus flexible dans son approche, en partie au X e siècle avec l'art macédonien.
La première forme d'art et de peinture à émerger à cette époque, en Europe, fut l'art anglo-saxon. Les seuls exemples survivants de cette forme d'art anglo-saxon sont des manuscrits enluminés tels que le Livre de Kells.
(source © Cosmovisions.com)
Même si des portraits et parfois des scènes, sont également dépeintes et plus particulièrement des portraits d'évangéliste, ces oeuvres sont célèbres pour leur décoration abstraite. Même si certaines peinture murales demeurent, les arts carolingien et d'ottoman ont également laissé des manuscrits. À cette période, la peinture mêle les influences insulaires et " barbares " ainsi qu'une forte influence byzantine.
Des fresques ou sculptures ornaient les murs des églises romanes et gothiques. Les quelques murs restant ont une grande intensité et combinent l'énergie décorative de l'art celte avec un nouveau traitement des personnages.
Sous l'influence de la peinture icônographique byzantine, la peinture sur panneaux de bois s'est répandue à l'époque romane. L'art médiéval et la peinture gothique sont devenus plus réalistes, en Italie vers le milieu du XIIIe siècle, avec un début d'intérêt pour la représentation des volumes et de la perspective, grâce à Cimabue puis son pupille Giotto di Bondone.
Le traitement de la composition par les meilleurs peintres est devenu beaucoup plus libre et innovateur avec Giotto di Bondone. Giotto et Cimabue sont considérés comme les deux grands maîtres de la peinture médiévale dans la culture occidentale.
(source © Encyclopedie.bseditions.fr)
Dans la tradition byzantine, Cimabue avait une approche plus réaliste et plus dramatique de son art. Quant à lui, Giotto a développé ces innovations à un plus haut niveau ce qui a d'ailleurs lancer les bases de la peinture classique occidentale. On peu donc considérer ces deux artistes comme les pionniers du naturalisme.
La Cathédrale Notre dame de Paris est l'un des plus célèbres exemples de l'utilisation des vitraux et de l'édification de plus en plus de fenêtres dans les églises comme moyen de décoration. Les sociétés occidentales étant plus instruites et aisées au XIVe siècle, les peintres trouvèrent de nouvelles opportunitées auprès de la noblesse et la bourgeoisie. Les enluminures ont pris un nouveau " visage ", les femmes de la Cour, vêtues à la mode, ont été représentées dans leur environnement. Cette technique à très vite été modialement utilisée. De plus, les constructions verticales portant des décors sculptés ou peints en arrière de la table d'autel (retables) et les peintures de panneau en tempera (qui consistent à utiliser un jaune d'œuf comme médium pour lier les pigments) ont de plus en plus d'influence.
(source © Musée du Louvre)
Souvent présentée en âge d'or de la peinture, la renaissance s'étend du XIVe au XVIIe siècle. En Italie, ce sont des artistes tels que Pierro della Francesca, Fra Angelico, Giorgione, Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël etc. qui ont portés la peinture à son paroxisme grâce à la mise en application de la perspective, l'amélioration innovante des techniques picturales ainsi que de l'analyse de l'anatomie humaine et la proportion.
Albrecht Dürer, Pieter Bruegel l'Ancien etc. (peintres allemands, flamands et hollandais de la renaissance) possédaient une autre approche contrairement aux peintres Italiens, plus conventionnelles. L'emploi de la peinture à l'huile illégitimement attribué à Jan Van Eyck (peintre flamand célèbre pour ses portraits d'un réalisme minutieux.), a permis la fabrication de peintures facilitant le réalisme des œuvres.
Considéré comme l'un des plus grand imprimeurs, le grand peintre allemand Albrecht Dürer signifiait qu'en plus d'être des artisans, es peintres étaient des penseurs. La révolution des idées, de la science, la réforme protestante ainsi que l'invention de l'imprimerie, se reflètent dans la peinture de cette époque. Grâce la croissance de la peinture sur chevalet à cette période, la peinture à gagner en indépendance par rapport à l'architecture.
(source © Les Grands Peintres)
Les œuvres traditionnelles et religieuses ne sont plus les seules représentées par les artistes. En effet, on peut désormais voir apparaître des représentation du monde qui les entoure mais aussi des images sorties toutes droit de leurs imagination dans leurs œuvres.
Ayant pour avantage de pouvoir être accrochés aux murs mais également d'être déplacés à volonté, les peintures sur bois sont de plus en plus répandues au sein des églises et des maisons privées au cours des XVe et XVIe siècle.
Au fur et à mesure, ces peintures, étant plus mobiles, ont remplacées les œuvres édifiées sur des structures permanentes (de type peintures murales, fresques etc.), tel que les retables.
Le maniérisme (art stylisé) est apparu au cours de la " Haute Renaissance ". À l'aube du XVIesiècle, l'art est caractérisé par une approche raisonnée de la perspective et de la composition équilibrées. Les maniéristes recherchent, quant à eux, l'artifice, le doute et l'instabilité. L'intensité émotive d'El Greco et les expressions préoccupées de Pontormo succèdent aux vierges calmes de Raphaël ainsi que les gestes et visages figés des œuvres de l'artiste Piero della Francesca.
(source © Utpictura18)
La peinture baroque (nouveau style de peinture) s'est développée tout au long du XVIIe siècle. On peu compter, Rembrandt, Rubens, Vermeer, Vélasquez, etc., parmis les plus grands peintres de cette époque. L'approche réaliste des personnages humains de Caravage à heurter l'opinion et a écrit une nouvelle page de l'histoire picturale. C'est un héritier de la peinture humaniste de la Haute renaissance.
Des effets de lumière sont fréquemment utilisés afin de dramatiser les scènes au sein de la peinture baroque. On peu retrouver ces effets dans les œuvres de Georges de la Tour, des frères Le Nain, de Rembrandt et Vermeer.
Au cours du XVIIIe siècle, le style rococo s'illustre comme un dérivé de la peinture baroque. Ce style est souvent frivole, érotique, plus décadent et plus léger. Boucher, Watteau, Fragonard considérés comme maîtres français sont représentatifs de ce style. On considère l'artiste Jean Siméon Chardin comme étant le meilleur peintre français du XVIIIe siècle.
(source © Wikimédia commons)
Le néoclassicisme émerge vers la fin du XVIIIe siècle avec des artistes tels que Jacques-Louis David et Dominique Ingres (son héritier).
Bien que les œuvres d'Ingres contiennent déjà la sensualité, la spontanéité (caractéristique du romantisme) quant à elle manquait. Ce mouvement est principalement caractérisé par la représentation de paysages, de la nature ainsi que des figures humaines.
Des peintres tels que Théodore Géricault, Eugène Delacroix,John Constable, etc., ont rendu ses lettres de noblesse à ce mouvement jusqu'alors considérés comme décoratifs.
Camille Corot, principal peintre de l'école de Barbizon située en Seine et Marne (77 - France), est l'auteur de peintures tantôt romantiques, tantôt imprégnées d'un réalisme annonçant l'impressionnisme.
Gustave Courbet fait parti des peintres majeurs marquant un tournant vers le réalisme vers la moitié du XIXe siècle.
La peinture fût amenée, au cours du dernier tiers du XIXe siècle, aux portes du modernisme par des artistes impressionnistes tels que Claude Monet, Edouard Manet, Pierre-Auguste Renoir etc. ainsi que des peintres post-impressionnistes comme Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, etc.
(source © Musée d'Orsay : Paris, France)
L'héritage du post-impressionnisme, a joué un rôle capital dans le développement de l'art moderne. Henri Matisse ainsi que d'autres jeunes artistes ont bouleversés le monde artistique parisien, au début du XXe siècle, à l'aide de peintures multicolores, expressives et " sauvages " que les critiques appelleront le fauvisme.
Selon Cézanne, " toute représentation de la nature peut être réduite à trois solides : un cube, une sphère et un cône ". La première peinture cubiste du célèbre peintre Pablo Picasso fût réalisée selon ces idées.
Le fauvisme à marqué le début du XXe siècle. Ce sont des artistes tels que Georges Braque, Raoul Dufy, Henri Matisse qui fortement participés à la bousculade du milieu artistique de l'époque.
(source © The Museum Of Modern Art)
Un stye de peinture radical et nouveau fût créé par Pablo Picasso avec son œuvre " Les Demoiselles d'Avignon " (1907). Dans cette oeuvre, il représente ses propres invention cubistes, une scène de bordel avec cinq prostituées, des masques tribaux africains le tout crûment et de manière primaire . Georges Braque et Pablo Picasso ont conjointement développés, entre 1908 et 1912, le " cubisme analytique " qui sera la première manifestation claire du cubisme. Le " cubisme synthétique " succèdera le " cubisme analytique " suite à la collaboration de Juan Gris, Albert Gleizes, Georges Braque, Pablo Picasso ainsi qu'un grand nombre d'artistes au cours des années 1920. L'introduction de différentes textures, de surfaces, d'éléments de collage ainsi qu'une grande variété de thèmes associés. dans la peinture caractérisent le " cubisme synthétique".
Des années 1910 jusqu'à la Première Guerre mondiale, un grand nombre de mouvements sont apparût à Paris après l'apogée du cubisme. Durant le mois de juillet 1911, Giorgio De Chirico rencontra Pierre Laprade (membre du jury du salon d'automne) à Paris. Au cours de ce salon il exposa 3 de ces œuvres : " Énigme d'un soir d'automne (1910), Énigme de l'oracle (1910) ainsi qu'un autoportrait. En 1913, il est remarqué par Pablo Picasso et Guillaume Apollinaire lors du salon des Indépendants grâce à l'exposition de son travail. Ces créations mystérieuses annonceront le début du Surréalisme.
(source © Courts.arts.free.fr)
Les deux premières décénies du XXe siècle, ont vu naître, en plus du cubisme, plusieurs mouvements importants :
Tous les arts visuels (architecture, design moderne, théâtre, etc.) ont été influencés par la peinture moderne, qui est également devenue un laboratoire expérimental pour toutes les formes d'expression visuelle (la publicité, le calligramme, la photographie, etc.).
Comme l'on peu s'en rendre compte chez Edvard Munch ainsi que chez d'autre artistes de la même époque mais aussi dans la peinture fauve de Die Brücke (groupe mené par le peintre allemand Ernst Ludwig Kirchner), la peinture expressionniste de Vincent Van Gogh à eu une très grande influence.
Peintre russe, imprimeur mais aussi théoricien de l'art, Wassily Kandinsky est l'un des plus célèbres artistes du XXe siècle. Il est, en règle général, désigné comme le premier peintre important de l'art abstrait moderne. À la recherche de nouveaux modes d'expression visuelle mais également spirituelle, il a, au même titre que les oculistes et les théosophiste, " théorisé " la peinture . Dans son livre dédié à la Spiritualité dans l'art, Wassily Kandinsky a détaillé plusieurs de ses théories sur l'art abstrait.
Quant à lui, Robert Delaunay était associé à l'orphisme. Sa contribution à l'art abstrait se traduisent par le choix d'expérimenter la tonalité, la profondeur mais également par une utilisation audacieuse de la couleur.
Suite à l'invitation de Kandinsky, Robert Delaunay et Sonia Delaunay (son épouse également artiste) ont rejoint , en 1911," Le Cavalier Bleu " (Der Blaue Reiter) qui est un groupe d'artistes abstrait de Munich.
Il ne faut pas non plus oublier les autres pionniers tel que František Kupka (peintre tchèque) et le mouvement synchronisme, qui est proche de l'orphisme et qui à été créer en 1912 par les artistes américains Morgan Russel et Santon MacDonald-Wright.
Helena Petrovna Blavatsky a lancé le mouvement théosophique à la fin du XIXe siècle. Elle considérait que la connaissance de la nature obtenue jusqu'à présent à l'aide de moyens empirique était sommaire et qu'il était possible d'atteindre une connaissance bien plus profonde. Piet Mondrian s'est intéressé au mouvement théosophique en 1908. On peu d'ailleur retrouver ses études spirituelles et philosophiques dans sa peinture.
Quant à lui, le peintre russe Kasimir Malevitch, un autre pionnier de l'art abstrait, est retourné à la peinture figurative après la révolution russe de 1917 et l'oppression du régime staliniste en 1924.
Nous pouvons également citer le peintre suisse Paul Klee, pionnier de la peinture abstraite du Bauhaus gràce a son travail sur la couleur.
Dans les États-Unis de l'entre-deux-guerres les peintres ont eu tendance à se rendre en Europe pour y acquérir une certaine reconnaissance comme ce fut le cas de Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce et Stuart Davis qui se sont faits une réputation en dehors de leur pays.
(source © kaethe-kollwitz.de)
L'expressionnisme et le symbolisme ont dominé une grande partie de l'art avant-gardiste en Europe occidentale, orientale et nordique. Ils englobent plusieurs styles de peinture du XXe siècle. C'est principalement en France, en Allemagne, en Norvège, en Russie, en Belgique et en Autriche que s'est répandu l'expressionnisme de l'entre-deux-guerres. Les artistes expressionnistes sont liés à la fois au surréalisme et au symbolisme. Le Die Brücke, Der Blaue Reiter et le fauvisme sont trois des groupes les plus connus de peintres expressionnistes et symbolistes. On peut distinguer, parmis les artistes les plus influents de ce mouvement, Marc Chagall, Ernst Ludwig Kirchner, Edvard Munch, Emil Nolde, Georges Gimel, Käthe Kollwitz etc.
Tandis que le mouvement du " réalisme sociale " domine le monde de l'art en Amérique, le Cubisme tardif, le Surréalisme, le Bahaus, le De Stijl etc. ainsi que les peintre coloriste tels que Pierre Bonnard ou Henri Matisse sont représentatif de la scène artistique européenne au cours des années 1930 et la Grande Dépression. Cette nouvelle scène artistique a vue naître des artistes comme Ben Shahn, Georges Tooker, Grant Wood, John Steuart Curry et bien d'autres. On a pu voir apparaître une " renaissance " de l'art en Amérique latine avec le mouvement du muralisme que pratiquaient des artistes peintres tels que David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera etc. et les peintures de Frida Kahlo. Cette " renaissance " est particulièrement due à l'utilisation de la couleur ainsi que de l'expression de messages politiques.
La politique radicale de gauche a influencée un grand nombre d'artistes surréalistes à l'aube de la Seconde Guerre mondiale. Parmi ces artistes on retrouve Pablo Picasso qui a réalisé le célèbre tableau " Guernica " qui dénonce les horreurs du bombardement de Guernica, par la légion Condor de la Luftwaffe allemande, le 26 avril 1937, au cours de la guerre civile espagnole,.
La seconde moitié du XXe siècle a été une période de multiplication des courants artistiques, avec la naissance d'une grande variété de mouvements en peinture.
(source © Monshowroom.com)
Né au cours des années 1950 en Angleterre, le mouvement Pop Art va principalement se développer en Amérique gràce à des artistes tels que Jasper Johns, Larry Rivers ou Robert Rauschenberg dans les années 1960. Cependant, dès les années 1920-1930, les peintures de Gerald Murphy, Stuart Davis et Charles Demuth fondateur du mouvement précisionniste, marquaient déjà l'avènement du pop Art.
Il est important de signaler, qu'au début des années 1950, la plupart des artistes s'inscrivant par la suite dans le mouvement " Pop Art ", réalisaient des peintures désignées comme " expressionnisme abstrait ". Le mouvement " Pop Art " ne prendra son véritable essor qu'au début des années 1960. Parmi les plus célèbres artistes de ce mouvement pictural, il faut citer Andy Warhol, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselmann, Wayne Thiebaud et Roy Lichtenstein entre autres.
La caractéristique du " Pop Art " est sa volonté de fusionner la culture populaire de masse avec l'art le plus raffiné, une dose d'humour, d'ironie et un langage figuré parfaitement reconnaissable.
L'inventeur du terme " Pop Art " est Lawrence Alloway. Il désignait par ce terme les peintures qui célébraient le " consumérisme " d'après-guerre. Autrement dit un mouvement qui rejetait l'expressionnisme abstrait centré sur l'herméneutique et la psychologie, en faveur d'un art célébrant la publicité, la culture, et l'iconographie de l'ère de la consommation de masse.
Le mouvement colorfield Painting, est apparu aux États-Unis dans les années 1950. Il s'inscrit dans la continuité du " suprématisme " et de l'abstraction lyrique. Ce mouvement, loin de l'expressionnisme abstrait, marquait clairement une nouvelle orientation de la peinture américaine en cherchant à débarrasser l'art d'une rhétorique jugée superflue.
C'est ainsi que des artistes comme Clyfford Still, Mark Rothko, Morris Louis ou Kenneth Noland ont généralement éliminé les formes reconnaissables et représenté des peintures s'appuyant principalement sur une utilisation psychologique de la couleur.
(source © All-art.org)
Des artistes tes que Barnett Newman, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Kenneth Noland, Robert Mangold, Charles Hinman, ou David Novros utilisaient des toiles non rectangulaires au début des années 60. C'est une des principales tendances du mouvement " colorfield painting ".
Cette pratique révélait une réaction contre l'hyper-subjectivité et le mysticisme de l'expressionnisme abstrait mais aussi contre l'idée bien ancrée que l'utilisation d'une toile rectangulaire classique serait le signe d'une peinture dite " sérieuse ".
Le mouvement appelé " abstraction lyrique " est née au cours des années 1960. Ce terme Européen a été reutilisé par Larry Aldrich en 1969. L'abstraction lyrique, comme le mouvement " Fluxus ", cherche à repousser les frontières de la peinture abstraite et du minimalisme en se concentrant sur les nouveaux matériaux, le processus de création et les nouvelles formes d'expression. Cette forme de peinture intègre souvent des matières premières, des matériaux industriels et des objets variés avec des références au dadaïsme et au surréalisme.
(source © Pbs.org)
De fortes ressemblances existent entre d'une part l'abstraction lyrique, d'autre part, le colorfield Painting et l'expressionnisme abstrait. Notamment dans l'utilisation très libre des couleurs, surfaces et textures. Pourtant les deux styles sont nettement différents.
Dans la peinture expressionniste abstraite ou l'Action painting des années 1940-1950, on insiste fortement sur la composition et le sens du drame, au sens théâtral du terme. En revanche, dans l'abstraction lyrique on retrouve un sens de la composition très aléatoire et discret ainsi qu'une priorité faite au processus de création, à la répétition et à la sensibilité.
Au cours des années 1960 et 1970, un grand nombre d'artistes influent tels que Robert Motherwell, Philip Guston, Cy Twombly etc. tout comme des artistes peintres plus jeunes tels que Robert Mangold, Susan Crile etc. ont optés pour ces styles de peinture.
Durant les années 1960-1970, des critiques n'ont pas hésités à proclamer " la mort de la peinture " en mentionnant, par exemple, le travail de peintres tel qu'Ad Reinhart. C'est alors que les artistes ont peu à peu pratiqués une nouvelle manière de pratiquer l'art et créées nouveaux mouvements picturaux. Parmis ces différents mouvements nous pouvons retrouver l'art Corporel, l'Art Vidéo, l'arte Povera, le postminimalisme, le situationnisme etc.
Vers la fin des années 70 et du début des années 80, on peu constater l'apparition d'un grand nombre de mouvements presque simultanément en Italie, Allemagne, France et Grande Bretagne. Ces mouvements bien que relativement semblables se sont vu portés différents noms : Figuration libre en France, Néo-expressionnisme ou Nouveaux Fauves en Allemagne, Trans-avant-garde en Italie et Bad Painting aux États-Unis.
La référence au mythe, l'imagination, la figuration les grands formats et la grande liberté dans l'expression sont caractéristiques de ce style de peinture. Il y a eu une division des critiques d'art sur ces mouvements. Certains critiqures considéraient ces mouvements comme dictés par un " soucis commercial" des grandes galerie d'art. Au XXIe siècle, ce style de peinture reste encore très populaire.
(source © Telerama.fr)
Au début du XXIe siècle, l'art contemporain et la peinture ont continués leur développement au travers des mouvement se caractérisant par les idées de pluralisme et de mondialisation.
La " crise " de la peinture des années 1980 évolue aujourd'hui vers une résolution grâce au pluralisme. Aucun consensu sur un style représentatif de la peinture contemporaine existe. L'émergeance des œuvres d'art importantes et magnifiques continuent dans une grande variété de style tels que le pop Art, l'expressionnisme, l'abstraction géométrique, l'hyperréalisme, le photoréalisme, le minimalisme, l'abstraction lyrique, le colorfield Painting, le Néo-expressionnisme, la peinture numérique, la peinture postmoderne, le shaped canvas, la peinture murale etc.
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